Akira (1988)

He vuelto a ver Akira. Y me gustó más que la última vez (años atrás). Quizás porque me he hecho más viejo y ya no hago reproches a que la animación haya quedado algo antigua.

Hoy Akira me gustó por su historia y porque contemplo, con horror, que ese futuro de 2019 que presagió la historia en los años ochenta, no dista mucho de la realidad en la que vivo ahora.

Aunque Otomo, su autor, hablase en realidad de la juventud rebelde de los setenta y las manifestaciones políticas en ese Japón de la generación posterior a la ocupación extranjera. 

Y que estuviera muy influenciado por el futuro tecnificado que ya predijo Tezuka en sus mangas y por las pandillas de moteros de películas americanas como Easy Rider.

Su predicción del futuro se tornó bastante acertada.

Quizás porque los jóvenes rebeldes desapegados de la sociedad donde la realidad es una farsa y, en las sombras, una élite de viejos controla y manipula la verdad es un escenario social atemporal. O cíclico. O el mismo paisaje de siempre con actores cambiantes.

En todo caso, su futuro es nuestro presente, camino de ser ya pretérito ._.

La moto de Kaneda, es capaz de dar marcha atrás.

El costo de producción de Akira fue tan desorbitado (mil millones de yenes) que hicieron falta la suma de varios estudios de animación para costearla. Fue un laborioso y minucioso trabajo que destaca -aún hoy- por el nivel de detalle en la animación. Hoy se ve sombría y antigua pero mucho más elaborada que muchas producciones posteriores.

Akira fue estrenada ANTES que el manga acabase, así que la historia dibujada difiere, pero como el propio Otomo estuvo al cargo su resolución, la película de Akira es canon.

El éxito mundial fue muy destacado. Abrió la puerta de la animación japonesa al mundo y su influencia en mangas, animes, películas y series posteriores es clara y reconocida. 

Verla hoy es rememorar escenas de otras historias (Tetsuo volviéndose poderoso recuerda al rabioso Vegeta super saiyan. Y esos niños con poderes, a Stranger Things). Pero todas esas son obras posteriores. AKIRA es el inicio.

Y siempre vale la pena volver al inicio.

Akira (Akira; 1988) de Katshuiro Otomo.

En el Ciclo Cine (invierno 2022) de #LaMicroteca

Millennium Actress (2001)

El cine y las vidas de repuesto

En este humilde ciclo dedicado a la historia de Japón a través de películas, Millennum Actress es la obra que compendia exactamente esto. Un homenaje al cine. Y al cine japonés del siglo XX con, de fondo, los avatares sociales y bélicos de la historia de ese país.

La sinopsis del film nos dice que un documentalista y su operador de cámara van a entrevistar a una anciana que, de joven, fue una gran estrella del cine: Chiyoko Fujiwara. 

La mujer irá desplegando sus recuerdos, reales o cinematográficos. O, lo que es habitual en el cine de Satoshi Kon, una mezcla de realidad, ficción y metaficción.

El documentalista Tachibana y su operador de cámara irán gravando "dentro de los recuerdos" de la actriz Chiyoko para descubrir, de repente, que en verdad estamos dentro de un set de rodaje. El recuerdo, el fragmento de vida que hemos visto, es la escena de una de sus películas. O, quizás, son sus películas las que reflejan su vida.

Puede parecer complicado si uno intenta analizarlo. Pero solo hay que dejarse llevar. Los pensamientos, los recuerdos o los sueños no tienen guion. Como tampoco lo tiene la vida, la nuestra, aunque creamos controlarla o seguir las pautas marcadas de un proyecto de vida.

En esta película Satoshi Kon sigue explorando la relación entre la estrella y su fan, como ya hizo en Perfect Blue. Aquí el fan que observa desde lejos, descubrimos que es un joven Tachibana. Y su evolución no es turbia como el obseso de Perfect Blue, sino empático. Metidos en sus recuerdos, Tachibana y el operador de cámara, pasan de ser observadores de la vida de la actriz Chiyoko, a implicarse en ella.

Este juego imposible solo es creíble dentro de la película. Vivir tan intensamente el relato de la historia personal que el oyente se implica hasta meterse en la vida recordada. 

La película está plagada de escenas que saltan en el espacio-tiempo con naturalidad y elegancia. Una Chiyoko mayor voltea su rostro y al detenerse, vemos que ahora es una Chiyoko joven. O una Chiyoko "viva" va a colocarse dentro de una fotografía suya para "crear" ese momento que la fotografía preservará para siempre.

Millennium Actress está plagada de referencias meta cinematográficas. No pretendo listarlas con precisión forense, esto nos arruinaría la película. Para citar solo tres: Ciudadano Kane (1940), Fedora (1978) o La rosa púrpura del Cairo (1985).

Y en cuánto a cine japonés, incluso un ignorante como yo, que solo conoce la superficie, es capaz de encontrar escenas y momentos que remiten a películas del cine clásico nipón.  Tampoco les voy a saturar con esas referencias.

Millennium Actress (Sennen Joyû; 2001) dirigida por Satoshi Kon.

El cine, la vida, la memoria, el amor, el recuerdo, la realidad y la ficción. En dos palabras: Satoshi Kon.

La isla de Giovanni (2014)

Daños colaterales de la derrota japonesa tras la Segunda Guerra Mundial

Estamos en la Segunda Guerra Mundial, Junpei y su hermano Kanta, dos niños japoneses de la isla Shikotan, viven sus vidas con apacible tranquilidad. 

Ambos están fascinados por los trenes. Aunque nunca han visto uno, más allá de sus juguetes y lo que han leído en el libro favorito de su padre El tren nocturno de la Vía Láctea.

Cuando Japón pierde la guerra el temor de la llegada de los "malvados" americanos inquieta a la población. Al final, los que llegan son los rusos, que se llevan a los soldados y todo lo que encuentran de valor, dejando a los pobres pueblerinos, más pobres de lo que ya eran. 

Los soldados rusos, con sus familias, se instalan en las casas, y Junpei, Kanta, su padre, el abuelo pescador y un tío que se dedica al contrabando, pasan a vivir en el establo.

Se forma entonces una división entre los japoneses y los rusos, que se plasma en la ristra de tiestos en el patio de la escuela, para delimitar las dos zonas de juego. 

Pero esos dos mundos separados empiezan a fundirse en ese mismo patio: Los niños y niñas terminan por jugar juntos.

Pero la vida adulta no es como el patio del colegio. Esa amistad, y quizás naciente amor entre, Junpei y Tania se frustra por la realidad. 

Y la realidad es que los rusos son los ocupantes y los japoneses se ven obligados a irse. Todos los habitantes de la isla serán deportados. 

Y algunos, como el padre de Junpei y Kanta, es detenido y encarcelado en un campo de trabajo. Luego los hermanos escapan para ir a ver a su padre. El reencuentro a través de la doble valla de alambre espinoso es una amarga despedida.

Y lo peor, está aún por llegar.

Sin ser una adaptación oficial de El tren nocturno de la Vía Láctea de Kenji Miyazawa, la película toma muchas referencias argumentales de este clásico de la literatura japonesa.

También aborda un aspecto histórico poco conocido: la deportación de ciudadanos japoneses por parte del invasor ruso.

La película muestra un final ¿feliz? con una gran confraternización entre aquellos alumnos rusos y japoneses, todos ancianos a día de hoy, que estudiaron en la escuela de la isla. Y hay incluso intercambio de regalos entre Junpei y la nieta de Tania.

La realidad pero es que la disputa por el archipiélago de las islas Kuriles sigue activo hoy en día. Administradas por Rusia, Japón reclama como territorio propio algunas de esa islas, entre ellas Shikotan, la que vemos en la película.

El amor verdadero es solo el primero

La película empieza y termina con esos japoneses, todos ancianos, volviendo a la isla de su infancia. Me sorprende que el niño Junpei y su profesora, parezcan tener ahora, la misma edad.

Será por la nostalgia...

La isla de Giovanni (Giovanni no Shima/Giovanni's Island; 2014) dirigida por Mizuho Nishikubo.

Una vida errante (Tatsumi) (2011)

Vida y obra del maestro del gekiga: Yoshihiro Tatsumi

Una vida errante (Tatsumi)

(Tatsumi) 2011

Dirigida por Eric Khoo

Singarpur; 98 minutos

Esta película de animación mezcla la biografía del mangaka Yoshihiro Tatsumi, pionero del gekiga, con adaptación de cinco de sus historias cortas más representativas.

La parte biográfica, narrada en primera persona por el propio Tatsumi, está extraída de la propia autobiografía dibujada: Una vida errante.

Y las historias cortas, o one-shots, de Tatsumi que ilustran su arte son: Infierno, Amando mono, Solo un hombre, Ocupado y Good-bye

La historia inicia con la infancia de Tatsumi (1935, Osaka), marcada por las penurias de la posguerra. Sus primeros pasos como mangaka (los recelos su hermano mayor, mangaka frustrado) las primeras publicaciones y el encuentro con su admirado colega Osamu Tezuka. 

El verdadero Tatsumi con el verdadero Tezuka

En la parte final la historia deriva hacia la creación, en los años 50, del movimiento que denominaron: gekiga.

El gekiga pretendía diferenciarse del manga tradicional, buscando un estilo más realista, dramático, complejo psicológicamente y con temáticas más adultas.

Como eran "dibujos" los libreros colocaban la obra de Tatsumi y otros dibujantes afines, en lo estantes junto al manga, escandalizado a padres y madres de lectores ¿demasiado? jóvenes. 

La obra de Tatsumi es una variada pero tiene temas y elementos que la definen. Se trata de historias ambientadas en la posguerra, con personajes solitarios, a veces alienados entre la muchedumbre, a menudo marginados por la sociedad o por la modernidad. Abundan las prostitutas y los crímenes. 

Tatsumi observa los bajos fondos y los que son arrojados a ahí. Gente que intenta escapar de la miseria pero la mayoría ya no puede aspirar a más que a sobrevivir en ella.

La parte biográfica de la película está animada a todo color. Y las adaptaciones de los relatos tienen unos tonos bicolor que las diferencian. Aunque las obras de Tatsumi sean ficción, en todas ellas hay rastros biográficos. Así que la idea de mezclar obra y vida de Tatsumi en la película me parece muy certera.

La animación es minimalista y captura el estilo funcional, sin alardes innecesarios, de la obra original. La realidad social que dibuja Tatsumi es demasiado austera y miserable para que haya espacio para la fantasía. 

La estructura general, con episodios independientes dividiendo el relato biográfico, padece el mismo mal que cualquier obra episódica: que algunos relatos nos parezcan más buenos que otros.

Robot Dreams

Él nunca lo haría (pero aquí, sí).

Vayamos a la biblioteca.

._. Me traumó, amigos.

No puedo quitarme de la cabeza que Perro ABANDONA al Robot en la playa. Luego intenta superar "la pérdida" pero... ¡tú lo abandonaste, perro!

Robot Dreams

Sara Varon

Editorial Astronave

Robot Dreams (2023) dirigida por Pablo Berger.

El viento se levanta (2013)

Biografía, con mucha ficción, del ingeniero aeronáutico japonés Jiro Horikoshi. 

El viento se levanta,

hay que hacer un esfuerzo para vivir.

Jiro Horikoshi es un niño que sueña con volar. Su miopía le impide ser piloto así que, inspirado por los trabajos del ingeniero italiano Gianni Caproni, Jiro estudia y asiste a la universidad hasta convertirse en ingeniero aeronáutico.

Vive el gran terremoto de Kanto (1923) donde conoce a una chica a la que, años más tarde, reencontrará. La pareja se casará a pesar de la enfermedad terminal de ella. Y a la catastrófica situación bélica del país.

Volcado en su trabajo en Mitsubishi, donde destaca por su inventiva y profesionalidad, Jiro va desarrollando proyectos ambiciosos e innovadores. Ajeno, parece, a la realidad social y política del país...

- ¿Con quién estamos en guerra ahora?

- Con China, Estados Unidos, Rusia, Gran Bretaña...

- Japón está perdido.

Jiro y su amigo, también ingeniero, se nos presentan como genios creativos absortos en lo suyo: nuestro trabajo es hacer aviones (aunque luego sean usados para la guerra).

El propio Caproni, en sueños, asume con resignación que sus aviones serán usados como armas de guerra.

Al final, en un reencuentro onírico con Caproni, Jiro concreta que de todos los aviones que se fueron a la batalla ninguno volvió... 

Hay un guiño a Porco Rosso, con los aviones elevándose hacia una caravana de aviones caídos en combate.

El viento se levanta (Kaze  tachinu; 2013) dirigida por Hayao Miyazaki.

El auténtico Jiro Horikoshi no tenía una hermana pequeña, sino un hermano mayor. Y para los que sufrieron con el desenlace amoroso, la esposa de Jiro no padeció tuberculosis. Tuvieron 5 hijos juntos. Y Jiro Horikoshi vivió hasta 1982.

Pero entre la verdad y la leyenda, siempre fans de la leyenda y del drama de la película 😉